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Historia de la Música Country
 por
Raúl Tejeiro
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coleccionable para imprimir]
[Ver otras historias de country de Leo
Enry, de Gustavo Laurino]
La siguiente es una muy breve historia del desarrollo de la Música
Country. Realizar algo más completo llevaría muchísimo
más espacio, de hecho, muchas enciclopedias se han escrito
al respecto.
Muchos nos indicarán que faltan nombres, fechas y/o momentos.
Lo sabemos, pero aclaramos que hacer algo más completo llevaría
no sólo mucho más espacio, sino que correríamos
el riesgo de aburrir a aquel que sólo busca un somero racconto
del género country.
También hemos intentado seguir una línea histórica
en el desarrollo del género y sus variantes, pero en muchas
oportunidades, esto se ha vuelto difícil, ya que muchos movimientos
y subgéneros fueron surgiendo prácticamente de manera
paralela.
1 - Llegando a América
La tradición de narrar historias en canciones es algo que
se remonta a la Edad Media, cuando no existían medios para
llegar masivamente al público por la palabra escrita. Era
entonces la música la que ayudaba a esparcir las historias,
muchas veces reales, muchas veces inventadas, que eran transformadas
en canciones.
En la Europa medieval, el baladista o bardo era aquel historiador
oral que, en una sociedad analfabeta, se encargaba de reunir las
historias de su pueblo y las narraba con un telón musical.
Este bardo era amplio responsable de la memoria colectiva del pueblo
y era muchas veces más respetado que el mismísimo
rey. Más adelante, el "minstrel" fue el encargado
de transmitir esas historias, pero convirtió el telón
musical, usando populares melodías y adaptando sus historias
en rima para poder usar la música que elegía.
Desde los celtas hasta la Escocia medieval, estas tradiciones musicales
llegaron junto a los colonizadores europeos al nuevo continente
y se instalaron en el oeste de lo que es hoy Estados Unidos.
Para 1776, más de 250.000 personas habían llegado
a Estados Unidos desde las Islas Británicas, de los cuales
más del 50% eran de ascendencia escocesa, trayendo consigo
sus historias, sus baladas y tonadas y sus instrumentos, más
específicamente, el violín. El acompañamiento
musical se realizaba con gaitas o arpas, pero no fue hasta la llegada
del violín desde Italia en el siglo XVI que la música
de las Islas Británicas se instalaría definitivamente
en el nuevo mundo.
Los inmigrantes franceses establecidos en lo que hoy es Canadá,
serían desplazados por los colonizadores británicos
y terminarían mudándose a lo que es hoy el estado
de Louisiana. Llevarían consigo toda su tradición
francesa, sus estilo de vida, su cocina y su música, todo
lo cual, fundiéndose con el estilo de vida local, derivaría
en un subgénero country llamado Cajun.
Con el arribo de las vías de tren y el ferrocarril, nuevas
influencias como el banjo, llegaron. Luego vendría la guitarra,
mucho más práctica para el acompañamiento.
Con la fabricación masiva de la guitarra, al comienzo del
siglo XX, este instrumento llegó a manos del hombre común
con más facilidad y fue usada primero como acompañamiento,
rasgueándola, pero lentamente, se fue introduciendo el punteo
para adornar más las canciones.
Las arduas jornadas de trabajo se veían reflejadas en canciones,
que eran transmitidas oralmente, durante largas horas de trabajo,
muchas veces hasta improvisando letras sobre viejas melodías
conocidas. Luego del día de trabajo, reuniones familiares
junto a vecinos, originaban verdaderas "guitarreadas"
que hicieron que la música acústica -basada preferentemente
en la guitarra, el banjo, la mandolina o el violín- se fuera
popularizando cada vez más.
Los temas de estas canciones -incluso muchas veces cantadas a capella-
no distaban mucho de los temas presentes en la Música Country:
la muerte, el amor, el abandono, el engaño, crimen y castigo.
En el sur de los Estados Unidos, surgió un tipo de canción
llamada "canción evento", que tal cual un noticiero,
era una crónica de las historias del momento. Un ejemplo
es "The Wreck of the Old '97," basada en un desastre en
las vías del tren en 1912 en el estado de Virginia.
A fines del siglo XIX, junto a compositores sureños como
Stephen Foster, sumados a la tradición del vaudevil, se dió
el auge del "show viajero", donde cuenteros brindaban
una mezcla de comedia y música, mientras ofrecían
milagrosas medicinas de dudosa calidad. Por este medio se popularizaron
temas como "Buffalo Gals," y "Turkey in the Straw."
Sumemos a esto la música religiosa, o Gospel, salida del
profundo Sur de los Estados Unidos y que ha seguido influenciando
al género country hasta el día de hoy con sus armonías
vocales, sobre todo en el género Bluegrass. También
el Blues, originario primero en África y traído a
su vez a América por los esclavos, se convirtió en
una fuerte influencia y la música country comenzó
a enriquecerse y crecer cada vez más.
2 - La Radio Hace su Aparición
El surgimiento de la radio logró que la Música Country
pudiera llegar más masivamente. Los discos no eran muy comunes,
así que los artistas recorrían las estaciones radiales
interpretando sus temas en vivo. Uno de los más populares
shows era el Grand Ole Opry, de la estación WSM en Nashville,
presentado por el legendario George D. Hay. Entre las estrellas
de esta época podemos encontrar a Vernon Dalhart, Deford
Bailey, Uncle Dave Macon o el grupo The Skillet Lickers.
Algo característico en esta época que resultó
de sacar provecho de los micrófonos radiales, eran las armonías
vocales. En esta época logran gran éxito los Monroe
Brothers, the Delmore Brothers y los Blue Sky Boys (Bill y Earl
Bolick)
Apenas los músicos comenzaron a combinar los sonidos de la
guitarra, el violín y el banjo, se dió el surgimiento
de las llamadas bandas de cuerdas o "string bands" creando
una música llamada primero "hillbilly" y luego
música montañesa (mountain music). Los músicos
dejaron de repetir las viejas tonadas traídas del viejo continente,
para comenzar a crear nueva música. Estas bandas llegaron
a los bailes en graneros, los cuales comenzaron a ser transmitidos
en vivo, alternados con los mini-conciertos que los artistas daban
en las radios. Es aquí cuando hacen su aparición los
sellos discográficos, buscando esa creciente popularidad
del género, y surgen estrellas que comienzan a grabar sus
álbumes, como Eck Roberts, Fiddlin' John Carson y el grupo
The Skillet Lickers.
Por estos años también cobran resonancia los artistas
que graban las llamadas Bristol Sessions para Ralph Peer. Los mayores
artistas salidos de estas grabaciones fueron The Carter Family y
Jimmie Rodgers.
The Carter Family
Fueron uno de los grupos más influyentes en la Música
Country, con una agrupación original formada por Alvin Pleasant
(A.P.) Carter, Delaney y Virginia. A.P. comenzó a cantar
en la iglesia con su tío y dos hermanas mayores. Luego conoció
a Sara Dougherty con quien contrajo matrimonio el 18 de junio de
1915. Ella ejecutaba la guitarra, la colombina y el banjo. La tercer
integrante del grupo, Maybelle Addington, se unió luego de
casarse con el hermano de A.P., Ezra Carter. También tocaba
guitarra, colombina y banjo.
La familia Carter grabó por primera vez para el sello Víctor
el 1º de agosto de 1927 y fueron seis canciones, incluyendo
"Single Girl, Married Girl." Luego de grabar aproximadamente
20 canciones para este sello, el 11 de diciembre de 1934 se mudaron
al sello ARC, donde grabaron 40 títulos. Sara y A.P. se divorciaron
pero continuaron trabajando juntos y luego fueron a Texas. En este
período, otros miembros se unieron al grupo: Anita, June
y Helen, hijas de Maybelle y Ezra. Luego de más grabaciones
para el sello Columbia, el grupo se separó en 1943, habiendo
dejado 250 clásicos como "Wabash Cannonball," "Lonesome
Valley" y "I'm Thinking Tonight of my Blue Eyes."
Fueron grandes ídolos en la época de la Gran Depresión.
Jimmie Rodgers
Una de las primeras superestrellas de la Música Country
fue Jimmie Rodgers, ex-maquinista de tren quien introdujo country-blues
a una audiencia masiva, y adornó su canto con el clásico
yodel, o canto tirolés.
Conocido como el Padre de la Música Country, Rodgers, nacido
en Meridan, Mississippi, el 8 de setiembre de 1897, trabajó
en las vías de ferrocarril de muy joven, pero problemas de
salud lo obligaron a buscar otra forma de ganarse la vida. Pintándose
la cara de negro, cantaba en Medicine Shows, recorriendo Estados
Unidos, junto al guitarrista Ernest Helton, pero luego se les unieron
Jack Pierce en guitarra, Jack Grant en mandolina y banjo y Claude
Grant también tocando el banjo, aunque luego Rodgers siguió
como solista, grabando para el sello Bristol. Debido al éxito
de sus primeras grabaciones "The Soldier's Sweetheart"
y "Sleep, Baby, Sleep," más canciones siguieron
entre ellas su gran éxito "T For Texas." Para 1928
era una superestrella y vendía miles de discos, pero los
años, las giras y las grabaciones afectaron su salud, algo
reflejado en su composición "TB Blues" (TB= tuberculosis).
Aún así, siguió grabando, dando conciertos
para los granjeros afectados por las sequías y trabajando
en radio, hasta el 24 de mayo de 1933, cuando terminó de
grabar "Fifteen Years Ago Today." Al día siguiente
comenzó con hemorragias, entró en coma y falleció
el 26 de mayo de 1933. Rodgers, Fred Rose y Hank Williams fueron
los primeros electos al Country Music Hall of Fame, en 1961.
3 - Los Años 30: Country Post-Depresión
- La Música Country al Galope
En la década de los años 30, si bien la Gran Depresión
había golpeado los bolsillos de los norteamericanos, éstos
seguían disfrutando de sus estrellas en la radio y además,
el cine trajo a los vaqueros cantantes, quienes introducían
abundante Música Country en sus semanales aventuras. Recordemos
que por esa época, al no existir la televisión, la
gente podía ir semana a semana a ver a sus héroes
favoritos al cine, con el surgimiento de las primeras series o seriales.
Algunos de estos ídolos eran Gene Autry, Tex Ritter y Roy
Rogers. El cine popularizó el subestilo country llamado Western
Music, que con suaves armonías y rítmicas guitarras,
imitaba el cabalgar de los caballos, con letras que narraban la
vida de estos héroes.
Roy Acuff: De Beisbolista a Estrella Country
Otra de las grandes figuras del género country en las
décadas de los años 30 y 40, fue Roy Acuff.
Roy Clayton Acuff nació el 15 de setiembre de 1903 en Maynardsville,
Tennessee. A punto de comenzar a jugar béisbol para los New
York Yankees, una terrible insolación lo mantuvo en cama
por un buen tiempo y cortó su carrera, pero aprendió
a tocar el violín durante este tiempo. En 1933 formó
el grupo The Tennessee Crackerjacks y luego comenzó a trabajar
en su propio programa radial en Knoxville. Comenzó grabar
con ARC, la cual luego se unió con Columbia, y de allí
surgieron clásicos como "Great Speckled Bird" y
"Wabash Cannonball." Por primera vez apareció en
el Grand Ole Opry en 1938 y se volvió un artista frecuente
en el show junto a su grupo The Smoky Mountain Boys. En 1942, junto
a su amigo Fred Rose, fundó la compañía Acuff-Rose,
la cual sería una de las más importantes en el género
country. Más éxitos llegaron, como "Wreck on
the Highway" (1942), "Fireball Mail" (1942) y "Night
Train to Memphis" (1943). Cuando Columbia le solicitó
cambiar su estilo, Acuff partió a los sellos MGM, Decca y
Capitol. Por años fue un exitosísimo intérprete,
mientras que su compañía crecía impresionantemente.
Tal contribución para la Música Country fue recompensada
cuando en 1962, fue el primer artista aún vivo en ser incluído
en el Hall de la Fama de la Música Country.
4 - La década del 40: Bluegrass, Western
Swing y Honky Tonk
Bill Monroe y el surgimiento del Bluegrass
Bill Monroe es uno de esos gigantescos talentos musicales que
ha dado la música norteamericana, responsable de un estilo
de country denominado Bluegrass. Junto a su hermano Charlie, Bill
Monroe comenzó a grabar en 1938 con su grupo, The Blue Grass
Boys y se unió al elenco del Grand Ole Opry al año
siguiente. Con la llegada de Lester Flatt y Earl Scruggs en 1945,
el grupo se convirtió en un exponente de un híbrido
de jazz estilo Dixieland y sonidos acústicos country. El
resultado se identificó tanto con la música del grupo
The Blue Grass Boys de Bill Monroe, que dicho estilo fue acuñado
Bluegrass. Las agudas notas vocales de Bill, más su frenética
mandolina, sumados a instrumentos de cuerda como la guitarra, el
banjo, el bajo y el violín, se popularizaron espectacularmente
y convirtieron a Monroe y al grupo en nuevas estrellas del sonido
country. Muchos otros artistas siguieron el camino y estilo definido
por Bill Monroe, entre ellos Jim & Jesse McReynolds, The Osborne
Brothers y Ricky Skaggs. Monroe falleció en 1996 pero será
siempre recordado como el Padre del Bluegrass. Por más información
sobre este estilo, hacer click aquí.
Bob Wills y el Western Swing
En la década de los 40, comienza a crearse en Texas un
sonido híbrido entre la Música Country y el Jazz,
más específicamente el sonido Big Band. Esta nueva
fusión fue creación de un hombre llamado Bob Wills,
quien junto a su grupo The Texas Playboys, inventaron un estilo
de Música Country llamado Western Swing.
Nacido el 6 de marzo de 1905 cerca de Kosse, Limestone County, en
Texas, James Robert Wills, conocido artísticamente como Bob
Wills, es considerado el Padre del Western Swing. Durante su niñez,
su familia se mudó a Memphis, donde Bob comenzó a
tocar el violín en bailes. Años después y luego
de recorrer varias localidades en Texas, en el verano de 1929 junto
al guitarrista Herman Arnspiger, formó la Wills Fiddle Band
y en 1930, sumó a su grupo al vocalista Milton Brown, convirtiéndose
el grupo en The Light Crust Doughboys, grabando para el sello Víctor
en 1932. Brown fue luego sustituído por Tommy Duncan. Wills
fue despedido de la banda debido a su alcoholismo, pero dejó
el grupo junto a Duncan y a su hermano Johnny Lee Wills, formando
un nuevo grupo, Bob Wills & The Texas Playboys. Logrando una
gran popularidad en Texas, sobre todo en Waco, Tulsa y Dallas, la
banda tocaba Jazz, Blues y Country y comenzó a grabar en
1935, a pesar de los problemas legales que perseguían a Wills.
En 1940, y con un grupo que ya contaba con 18 músicos, Wills
compuso y grabó su gran clásico "San Antonio
Rose" convirtiéndose en un enorme éxito, pero
a raíz del ataque japonés a Pearl Harbor y la participación
de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial, muchos miembros
de la banda se enlistaron en el ejército.
Durante la guerra, el Jazz fue un estilo que cobró mucha
fuerza, más específicamente el subestilo llamado Big
Band, con grupos liderados por músicos como Tommy Dorsey
o Glenn Miller. Este estilo se basaba especialmente en uso de instrumentos
de vientos. En el período post-guerra, muchas grandes bandas
comenzaron a desaparecer, y Wills se vió obligado a reducir
el número de integrantes en su banda. Incorporó la
música de su violín y la guitarra steel de Leon McAuliffe
a la manera de los solistas de jazz y la gente comenzó a
aceptar este sonido que mezclaba elementos Country con Big Band.
De los más de 600 shows radiales que presentaban Música
Country en vivo, el show de la estación WSM, Grand Ole Opry
era el más popular.
Durante los años de la Segunda Guerra Mundial, la popularidad
del género country siguió en ascenso gracias a la
Camel Caravan, un grupo de artistas del show radial Grand Ole Opry,
que recorrían las bases militares, auspiciado todo esto por
los cigarrillos Camel. A través de esta caravana fue que
la música llegó a todas partes de Estados Unidos y
del mundo.
Poco a poco, sellos y empresas discográficas comenzaron a
abrir sus puertas en Nashville, convirtiéndola en la llamada
"Music City, USA."
El inmortal Hank Williams
Sin duda alguna, una de las grandes figuras de la música
norteamericana, Hank Williams ha cruzado fronteras estilísticas
y su música ha sido grabada por artistas tan disímiles
como los Carpenters, Tony Bennett o Elvis Presley. Hiram King Williams
nació en Georgia, Alabama, el 17 de setiembre de 1923. A
los 6 años ya cantaba en el coro de la iglesia y su madre
le regaló una guitarra, la cual aprendió a tocar con
la ayuda de un músico ciego, Rufe Payne. De adolescente,
formó su banda llamada The Drifting Cowboys, tocando por
más de diez años en la estación radial WSFA
en Montgomery. Williams firmó contrato con Sterling Records
y luego con MGM y después del éxito de "Lovesick
Blues", llegó un contrato con el Grand Ole Opry. Fred
Rose fue su productor, arreglador, música y co-compositor,
y juntos comenzaron a lanzar éxito tras éxito, con
títulos como "Wedding Bells", "Mind your Own
Business", "My Bucket's Got a Hole in it", "Long
Gone Lonesome Blues", entre muchos otros. Williams siguió
teniendo más sucesos con sus propias composiciones, "Cold,
Cold Heart", "Hey, Good-lookin'", "Honky Tonk
Blues", "Half As Much", "Jambalaya", "Your
Cheatin' Heart", "Take These Chains" y muchas más,
que ya se han convertido en verdaderos clásicos que definieron
el sonido Honky Tonk. Constantemente consumiendo drogas para combatir
los dolores de su espalda, resultado de un accidente ecuestre a
los 17 años, Williams era además un alcohólico
y la letal mezcla lo llevó a fallecer de un ataque cardíaco
el 1º de enero de 1953, a los 29 años.
5 - Los Dorados Cincuenta
Rockabilly: Country Para Jóvenes
"Un blanco con la energía de un negro" era
lo que Sam Phillips buscaba. Phillips, dueño de un pequeño
estudio de grabación llamado Sun Records en Memphis, Tennessee,
fue él solo descubridor de una legendaria lista de talentos,
primordialmente artistas hasta ese entonces country. A mediados
de la década de los años 50 empezó a incluir
elementos del sonido Rhythm'n'Blues en su música, logrando
un híbrido llamado Rockabilly. El género country dejó
de ser consumido sólamente por mayores de 30 años,
para llegar a los adolescentes, que bailaban frenéticamente
al ritmo de esta especie de Rock and Roll. La respuesta a la necesidad
de Phillips fue Elvis Aron (con una "A") Presley.
Elvis: The Hillbilly Cat
Nacido en Tupelo, Mississippi, el 8 de enero de l935, Elvis,
como muchos cantantes sureños, comenzó entonando los
himnos religiosos de la iglesia. A los 13 años, su familia
y él fueron a Memphis y comenzó a cantar en bailes
locales. Con los años, comenzó a trabajar como camionero
mientras se presentaba en distintos shows, interpretando música
country.
Al grabar el tema "My Happiness" para obsequiar a su madre
Gladys, Elvis fue descubierto por Sam Phillips y organizaron un
trío junto a Scotty Moore y Bill Black. Elvis encaró
una versión "countryficada" de un clásico
de Blues, "That's All Right, Mama" y una muy personal
del clásico de Bluegrass de Bill Monroe "Blue Moon of
Kentucky". Su nuevo manager, el Coronel Tom Parker, llevó
a Elvis de circuitos country donde se estaba haciendo cada vez más
famoso, a un exitoso cntrato con el sello RCA Records, pero fue
gradualmente transformando el sonido de Elvis, para convertirlo
en un suave baladista, continuando una exitosísima carrera
hasta el día de su muerte, el 16 de agosto de 1977.
Johnny Cash
Otro descubrimiento de Sam Phillips fue John Ray Cash, nacido
en Kingsland, Arkansas, el 26 de febrero de 1932. Luego de terminar
la escuela secundaria, Johnny tuvo varios trabajos y se enlistó
en la Fuerza Aérea, donde estuvo cuatro años y aprendió
a tocar la guitarra.
De regreso en Memphis, donde contrajo matrimonio con Vivian Liberto,
formó un trío con Luther Perkins y Marshall Grant,
donde luego de trabajar gratis en la estación radial KWEM,
lograron una audición con Sam Phillips. Varios éxitos
surgieron de esta colaboración, con temas compuestos por
el propio Cash, como "Hey Porter", "Cry, Cry, Cry",
"Folsom Prison Blues", "I Walk The Line", entre
otros. En 1958 firmó contrato con Columbia Records, incorporó
al baterista W.S.Holland y además incluyó más
músicos tanto para sus presentaciones -a esta altura muy
exitosas- como para sus grabaciones. En diciembre de 1961, comenzó
a trabajar con June Carter, y comenzó a volcarse al consumo
de píldoras para mantenerse despierto para dar todos sus
conciertos y luego pastillas para poder dormir, comenzando un ciclo
interminable. En 1966, Liberto pidió el divorcio y en marzo
de 1968, Cash contrajo matrimonio con Carter, quien después
de muchos años de trabajo, logró que Johnny superara
su adicción a fines de la década de los 60.
A pesar de su pobre salud a lo largo de esa década, Cash
nunca dejó crear música de primer nivel, con éxitos
como "I Got Stripes", "Ring of Fire", "Understand
Your Man", "Daddy Sang Bass" entre muchos otros,
grabando importantes álbumes rescatando la situación
de los presidiarios, dando conciertos en penitenciarías como
San Quintín o Folsom, así como "Blood, Sweat
and Tears" en homenaje a los trabajadores o "Bitter Tears"
denunciando el destrato a los indios norteamericanos.
En 1983, recayó en su adicción a las píldoras
pero logró recuperarse. Cash fui incluido en el Hall de la
Fama de la Música Country y del Rock and Roll. Falleció
el 12 de setiembre del 2003.
M ás artistas que brillaron en el Rockabilly fueron, por
ejemplo, Marty Robbins, George Jones, Charlie Rich, Carl Perkins,
Sonny Burgess, Johnny Burnette, Dorsey Burnette, Charlie Feathers,
Roy Orbison, Gene Vincent y Eddie Cochran.
6 - Nashville Sound
Durante la segunda década de los años 50, el Rockabilly
fue el estilo de música country más popular y muchos
artistas que antes hacían otros estilos country, se volcaron
a este nuevo sonido, pero muchos otros, como Eddy Arnold o Jim Reeves,
se dedicaron a hacer un country más suave, que fundaría
las bases del estilo llamado "Nashville Sound".
Los años 60: la década de los productores
Buscando llevar al sonido country a las grandes ciudades y a
públicos ajenos al mismo, hacia fines de la década
de los años 50y principios de los 60, se "adornó"
a esta música, agregando enormes orquestas con cuerdas y
vientos. Las armonías vocales del sonido country fueron cambiadas
por pulidos coros, en general a cargo del cuarto The Jordanaires
o del grupo The Anita Kerr Singers. Los artistas dejaron de presentarse
con su típico atuendo de vaquero para presentarse de traje
ellos y sofisticados vestidos ellas. Se evitaba todo tipo de acento
y se buscó pulir la dicción de los artistas. El toque
Country estaba dado por una base rítmica de batería
y bajo y un ocasional toque de guitarra steel.
Si bien muchos criticaron este estilo, sobre todo aquellos que escuchaban
algo más tradicional o quienes se habían volcado al
nuevo Rockabilly, el surgimiento del Sonido Nashville significó
una expansión del mercado musical y un cambio en el sonido.
Liderando este estilo musical, existió un grupo de productores
incluyendo a Chet Atkins, Owen Bradley y Billy Sherril
Chet Atkins
Chester Burton Atkins, eximio guitarrista de country y de jazz,
apodado "Mr. Guitar" es considerado el creador del Nashville
Sound en el sello RCA Records, en 1957. Don Gibson, The Browns y
Jim Reeves fueron algunos de los primeros artistas que comenzaron
a utilizar este nuevo estilo musical y su popularidad ascendió
espectacularmente. Atkins fue elegido al Country Music Hall of Fame
en 1973.
Owen Bradley
Encargado de Decca Records a partir de 1958, Bradley, junto
a su hermano Harold, fue quien llevó al mercado masivo a
artistas country como Brenda Lee y Patsy Cline, entre una larga
lista. Con Bradley, el sonido de Patsy Cline llegó más
cerca del pop que del country, con éxitos gigantes como "Sweet
Dreams","Crazy" y "I Fall to Pieces" y
su imagen vaquera fue cambiada por vestidos adecuados para un público
citadino. Patsy falleció a los 30 años en una accidente
aéreo, el 5 de marzo de 1963. Bradley fue incluido en el
Country Music Hall of Fame en 1974.
No sólo la introducción de grandes y pulidas orquestas
fue la característica del Nashville Sound, sino también
el uso de los mismos músicos para todos los artistas. Algunos
de estos músicos de sesión fueron los guitarristas
Harold Bradley, Grady Martin, Ray Edenton, Fred Carter y Hank Garland,
el violinista Tommy Jackson, Charly McCoy en armónica, los
pianistas Floyd Cramer y Hargus "Pig" Robbins, el bajista
Bob Moore y el baterista Buddy Harman, sumados a la orquesta The
Nashville Strings. Debido al uso de los mismos músicos en
todos los temas, muchos criticaron la similitud entre los estilos
de los artistas, pero sin embargo, los discos se seguían
vendiendo de a millones.
Billy Sherrill
A fines de la década de los 60, un tercer productor se
sumó a la producción del Sonido Nashville, Billy Sherrill.
Poco humilde, Sherrill declaró que podía convertir
en estrellas a cualquiera y que lo que importaba era la canción
y no el artista, sin embargo, se aseguraba de rodearse de talento,
como eran los casos de George Jones, Tammy Wynette y Charlie Rich.
George Jones
Dueño de varios apodos ("Rolls Royce of Country",
"The Possum"), Jones, uno de los más influyentes
vocalistas norteamericanos, nació el 12 de setiembre de 1931
en Saratoga, Texas. Claramente influido en sus comienzos por Hank
Williams, comenzó su carrera alternando entre el sonido Honky
Tonk y el Rockabilly. Luego de un paso por el sello United Artists,
Jones se conectó con el productor Pappy Dailey, para el cual
dejó éxitos como "Love Bug" o "If My
Heart Had Windows" pero luego fue decisivo su paso a Epic Records,
donde conoció a Sherrill y a Tammy Wynette. La adicción
al alcohol de Jones fue tan famosa como su relación con Wynette,
con quien también tuvo éxitos como "We're Gona
Hold On","Golden Ring" y "Near You". El
período con Sherrill vió a Jones brindar clásicos
como "He Stopped Loving Her Today", "Bartender's
Blues" y "Whose Gonna Fill Their Shoes", entre muchísimos
otros.
Tammy Wynette
Virginia Wynette Pugh, oriunda de Tupelo, Mississippi, creció
con toda la intención de encarar una carrera musical, pero
su matrimonio a los 17 años cortó su ilusión.
Sin embargo, el nacimiento con problemas espinales de su tercer
hija, hizo que tuviera que recurrir a la música para complementar
su salario de cosmetóloga. Cantando en clubes nocturnos y
recorriendo sellos discográficos, llegó a Epic Records
y a Billy Sherrill, quien le produjo clásicos como "Apartmente
Nº 9", "I Don't Wanna Play House", "D-I-V-O-R-C-E",
"Till I Can Make It On My Own" y "Stand By Your Man".
Charlie Rich
Habiendo sido descubierto por Sam Phillips en la década
de los 50 como artista Rockabilly, Rich era un supremo intérprete
de Rhythm & Blues y Jazz, que en la década de los años
60, pasó a ser intérprete de country primero en el
sello RCA y luego en Epic, bajo la dirección de Sherrill.
Nacido en Forrest City, Arkansas, el 14 de diciembre de 1932, Rich
(apodado "The Silver Fox" porque su cabello se volvió
platinado a los 23 años) tuvo su primer éxito con
"Lonely Weekends" en el sello Sun, para luego seguir con
éxitos menores en RCA. En 1972, en Epic, "I Take It
On Home" y "Peace On You" le valieron éxito
masivo y nominaciones al premio Grammy. Pero fueron "Behind
Closed Doors" y "The Most Beautiful Girl" los temas
que lo convirtieron en una estrella internacional y un claro ejemplo
del ahora llamado "Countrypolitan", el mismo Nashville
Sound de años antes, pero con mayores instrumentaciones.
Sumado al sonido de Epic, mucho del material Nashville Sound que
Rich había grabado para RCA fue re-editado y el mercado se
vió prácticamente invadido y gobernado por Charlie
Rich. Rich ganó el premio de Artista del Año en 1974,
otorgado por la Country Music Association.
Paralelamente al afianzamiento del Nashville Sound, se estaba gestando
en la costa Oeste de Estados Unidos, más específicamente
en California, un fuerte movimiento de Country-Rock, liderado por
artistas como Gram Parsons, Chris Hillman y los grupos The Flying
Burrito Brothers y The Byrds y Linda Ronstadt. En el sur de Estados
Unidos, sin embargo, surgió un grupo de músicos que
comenzaron a sentir la influencia del Swamp Rock, un poderoso estilo
roquero originado principalmente en el estado de Louisiana. La mezcla
del country con este estilo de rock daría lugar a otro subgénero
country, el Rock Sureño o Southern Rock.
7 - Los años 70: el Countrypolitan y Country-pop
y los Rebeldes
El ahora llamado Countrypolitan, fue el estilo que comenzó
a gobernar las listas de ventas y popularidad en la década
de los años 70.
Llegados de otros géneros, artistas como Kenny Rogers, Anne
Murray, Olivia Newton-John y John Denver lograron gran éxito
en la Música Country y hasta era muy común ver que
tuvieran popularidad masiva tanto en el género country como
en el pop y la línea divisoria entre ambos estilos poco a
poco comenzó a disolverse.
Kenny Rogers
Kenneth Donald Rogers, nacido el 21 de agosto de 1938 en Houston,
Texas, se convirtió a partir de la década de los 70,
en uno de los más famosos artistas country del mundo. Luego
de recorrer varios grupos en los 60 (Bobby Doyle Trio, New Christy
Minstrels y The First Edition) firmó contrato con United
Artists para comenzar una carrera definitiva como artista country
y en 1976 tuvo su primer éxito con "Love Lifted Me",
pero fue "Lucille" en 1977 el que lo estableció
tanto en las listas country como pop, reforzado por el éxito
internacional de "The Gambler" (El Jugador), "Coward
of the County", "She Believes in Me", "You Decorated
My Life","We've Got Tonight", "Lady" y
muchísimos clásicos más.
John Denver
Producto de la generación hippie, John Henry Deutschendorf
Jr., creció siendo educado en escuelas a lo largo de Estados
Unidos, ya que su padre era piloto de la Fuerza Aérea y era
enviado junto a su familia a varios lados del país. Esto
hizo que John tuviera pocos amigos y se refugiara en su guitarra.
Luego de sustituir a Chad Mitchell en el trío de ese mismo
nombre y lograr éxito como compositor cuando su tema "Leaving
On A Jet Plane" fue grabado por el trío Peter, Paul
y Mary, el sello RCA le ofreció un contrato, Entre sus clásicos
están "Take Me Home, Country Roads", "Annie's
Song", "Thank God I'm A Country Boy", "Rocky
Mountain High","I'm Sorry", entre otros. Fue en la
década de los 70, el artista más exitoso del sello
RCA.
Anne Murray
Luego de abandonar su carrera como profesora de Educación
Física para dedicarse de lleno a la música, la canadiense
Anne Murray llegó a los primeros puestos country y pop con
el tema "Snowbird" en 1970. Sus clásicos country-pop
incluyen "Cotton Jenny", "A Love Song", "I
Just Fall in Love Again", "Shadows in the Moonlight",
"You Needed Me", "Broken-hearted Me", "Daydream
Believer", etc.
En la segunda mitad de la década de los 70, en Countrypolitan
cambió nuevamente de nombre, para pasar a llamarse Country-pop
y los éxitos country comenzaron a cruzar cada vez más
a las listas de pop, generándose aún más el
fenómeno llamado "crossover". Ronnie Milsap, Eddie
Rabbitt, Tanya Tucker, Don Williams, Dolly Parton y los grupos Dr.
Hook, Eagles y Poco se sumaron a los antes mencionados y comenzaron
a codearse con artistas como Neil Diamond y Barry Manilow.
Los Rebeldes
Ya desde mediados de la década de los 60, muchos artistas
renegaban del poder de los productores en su música. Merle
Haggard, Johnny Cash, Johnny Paycheck y otros lucharon contra los
burócratas. Algunos, como Haggard, Buck Owens y Wynn Stewart,
abandonaron Nashville y encontraron un nuevo hogar en Bakersfield,
en California, donde moldearon su propio estilo de Honky Tonk.
Pero nunca antes la Música Country había tenido el
éxito comercial como en la década de los 70, sin embargo,
en los estudios de grabación, los artistas seguían
sin la posibilidad de tocar con sus músicos y muchas veces,
elegían los temas a interpretar dentro de una selección
previamente hecho por su productor.
Artistas como Waylon Jennings -cuya música había sido
muchas veces afectada negativamente por decisiones burocráticas-,
su esposa Jessi Colter, Willie Nelson, Kris Kristofferson, Jerry
Jeff Walker, Billy Joe Shaver, David Allan Coe y muchos otros, consideraron
que el control debía estar ejercido por aquellos que creaban
la música. Jennings decidió obviar a los directivos
de RCA en Nashville para ir directamente a los jerarcas del sello
en Nueva York, donde realizó sus planteamientos creativos.
Cuando logró la luz verde para crear los discos a su manera,
el resultado fue "Wanted! The Outlaws", donde se incluían
temas de Jennings, de Nelson, de Jessi Colter y de Tompall Glaser.
El término del título del Lp, "Outlaw" -renegado,
forajido- hizo que estos artistas y su postura fueran identificados
con él. "Wanted! The Outlaws" fue el primer Lp
de música country en llegar a ser Disco de Platino, lo cual
abrió el camino para otros como Willie Nelson, quien sin
las imposiciones de los productores de Nashville, pudo comenzar
a incluir en su música elementos de blues, jazz y rock sureño
y terminó mudándose a Austin, Texas, donde su música
cobró otras dimensiones.
Kris Kristofferson logró que el vuelco en la música
fuera del productor hacia el compositor. Sus temas comenzaron a
ser grabados por artistas tan disímiles como Frank Sinatra,
Sammy Davis Jr., Janis Joplin o Elvis Presley. Con él, el
artista volvía a ser el centro del album, logrando además,
con su aspecto de hippie, que su sonido country llegara a públicos
jóvenes acostumbrados al rock. Kristofferson, junto a Jennings
y Nelson fueron los principales responsables de construir ese puente
que terminaría uniendo a los tradicionalistas "rednecks"
con los hippies rockeros. Los "nenegados" eran ahora conocidos
por su música, pero al igual que los artistas de rock, por
su aspecto, sus drogas y sus posturas políticas.
Los álbumes de "concepto" eran algo común
en el rock de la época y Willie Nelson decidió encarar
algo semejante con su "Red Headed Stranger". El productor
Billy Sherrill intentó "adornarlo" como había
hecho con su Nashville Sound, pero Nelson se resistió, teniendo
entonces total control de su música. El resultado fue un
album que desafía categorizaciones y que catapultó
a Nelson a nivel de ícono musical.
8 - Los años 80: Urban Cowboy
Con la popularidad del Country-pop por un lado y de los Outlaws
por otro, el momento del country era el mejor. Aquellos con dinero
no tardaron mucho en intentar llenar sus arcas con el deseo popular
de volcarse al country. Un cuento corto aparecido en la revista
Esquire terminó convirtiéndose en el filme "Urban
Cowboy" (1979) protagonizado por John Travolta y Debra Winger
y dirigido por James Bridges. El tercer protagonista del filme era
el gigantesco honky tonk o cantina Gilley's de Pasadena, en Texas,
donde se mostró por primera vez un toro mecánico.
El juguete nuevo se volvió una sensación y surgieron
a lo largo y ancho de Estados Unidos, decenas de clones de Gilley's
y miles de discotecas que se convirtieron en especies de gigantescas
y sofisticadas tabernas del "lejano oeste". Todos querían
ser cowboys y cowgirls, aunque jamás en su vida hubieran
visto una vaca verdadera. Ser country era la moda, con grandes sombreros
Stetson y apretados jeans y Travolta imponía otra moda, al
igual que lo había hecho con las camisas coloridas y los
trajes blancos de "Saturday Night Fever". Por supuesto,
para todo este público deseoso de ser vaquero, pero poco
conocedor del género, había que producir artistas
de urgencia. Todo esto originó el llamado estilo "Urban
Cowboy" y muchos artistas que eran muy buenos, fueron beneficiados
primero al lograr fama con este estilo, pero perjudicados luego,
ya que al pasar los años y desaparecido el furor del "Urban
Cowboy", muchos de esos cantantes fueron asociados a una moda
de mercado: dos claros ejemplos fueron Mickey Gilley y Johnny Lee.
Pero aún habiendo pasado el furor del "Urban Cowboy",
siguió existiendo muchísimo público deseoso
del género country y el Country-pop seguía victorioso.
Dolly Parton, Kenny Rogers, Barbara Mandrell, Crystal Gayle, Lee
Greenwood, Emmylou Harris y los Oak Ridge Boys, eran exitosísimos
intérpretes que hasta tenían sus propios shows televisivos,
incursionaban en el cine, daban gigantescos cnciertos en todo el
mundo y agrandaban sus abultadas cuentas bancarias, mientras su
música iba más y más, acercándose peligrosamente
al pop.
9 - Redescubriendo las raíces: los Neo-Tradicionalistas
Habiendo llegado el género country tan cercano al pop, hubo
muchos artistas que consideraban que era imprescindible volver a
las raíces y redescubrir aquellos estilos de antaño
que tan popular habían sidos, por ejemplo, el Bluegrass,
el Honky Tonk o el Western Swing. Para estos artistas que buscaban
reflotar estos sonidos, se acuñó el término
"Neo-Tradicionalistas", un oxímoron que muestra
una curiosa contradicción: ¿cómo algo nuevo
puede ser tradicional? Los Neo-Tradicionalistas estaban lejos de
ser simples "reflotadores" de viejos estilos: eran artistas
auténticos que, basándose en estilos tradicionales,
creaban música nueva, fresca.
Uno de los primeros artistas en volcarse a esta nueva corriente
fue Ricky Skaggs.
Ricky Skaggs
Skaggs, nacido el 18 de julio de 1954 cerca de Cordell, Kentucky,
tocó en su adolescencia con las leyendas del Bluegrass Lester
Flatt y Earl Scruggsy en 1977, cuando Rodney Crowell dejó
la Hot Band de Emmylou Harris para comenzar su carrera solista,
llenó la vacanta tocando guitarra acústica y mandolina.
Lentamente convenció a Harris de acercarse a sonidos más
tradicionales y la introdujo en el mundo del Bluegrass: el resultado
fue el album "Roses In The Snow" (1980), donde él
jugó un papel importantísimo. Así como años
antes, Emmylou había descubierto el Country Rock de la mano
de Gram Parsons, ahora Skaggs la llevaba de la mano hacia sonidos
más acústicos.
Su amor por el legendario Bill Monroe hizo que Skaggs hiciera nuevas
versiones de sus éxitos, como "Uncle Pen" y que
además de sus propias composiciones, comenzara a reflotar
viejos honky tonks de las décadas de los 40 y 50.
George Strait
Nacido en Pearsall, Texas, en 1952, Strait se ha convertido
en unos de los mayores y más exitosos exponentes del country
tradicional, volcándose desde sus comienzos a inspirarse
en leyendas como George Jones, Merle Haggard, reflotando además,
el sonido Western Swing de Bob Wills. Comenzó con su tradicionalismo
a principios de los 80 y luego recibió el espaldarazo de
Skaggs y los otros Neo-tradicionalistas a partir de la segunda mitad
de la década.
Dwight Yoakam
Oriundo de Pikeville, Kentucky, Yoakam, comenzo su estilo vocal
siendo una mezcla de Lefty Frizell y Elvis Presley, para culminar
en un estilo tremendamente personal. En sus álbumes se ha
encargado de presentar la mayor cantidad de subgéneros de
country posible, desde Bluegrass, Honky Tonk, Tex-Mex, Western Swing,
Rockabilly, hasta sonidos más vanguardistas como Cow-Punk
o Psychobilly.
Randy Travis
Junto a Skaggs, Travis, oriundo de Marshville, North Carolina,
fue una de las figuras seminales del llamado Neo-Tradicionalismo.
Con una voz que rescata las tradiciones vocales de Lefty Frizzell
o George Jones, Travis fue responsable de "Storms of Life"(1986),
uno de los mejores álbumes de la década de los 80
y exitoso comercial y artísticamente. Pronto, llegaron los
premios y los múltiples éxitos, de un artista que
es, además, un muy respetable compositor.
Reba McEntire
Nacida en Chockie, Oklahoma, el 28 de marzo de 1954, fue descubierta
por el cantante Red Stegall en 1974, quien, impresionado por su
voz, la llevó a grabar varios temas que le significaron un
contrato con Mercury Records. Luego de una seguidilla de éxitos,
cambió al MCA, desde donde dominó el terreno country
femenino durante dos décadas (80 y 90), incursionando además
en cine y televisión. Si bien su música ha pasado
a ser un poco más Country-pop en los últimos años
y su éxito en la televisión la ha obligado a reducir
su número de conciertos al año, Reba sigue siendo
una de las vocalistas más populares de los Estados Unidos.
Otros artistas dentro de esta corriente Neo-Tradicionalista fueron
también Keith Whitley, Ricky Van Shelton y kd lang.
10 - Los años 90: la explosión del
New Country
Con el auge del sonido auténtico del Neo-Tradicionalismo,
todos querían volcarse nuevamente a la Música Country.
Pero esto no era como había sido la moda "Urban Cowboy".
Paralelamente al aumento enorme de la popularidad del country, se
dió el crecimiento de otros estilos musicales como el Rap
y el Hip-Hop, así como la aparición de la música
Techno. Estos estilos, así como atrajeron a muchos oyentes,
también espantaron a millones de otros que, inclinados a
consumir música pop, veían inundadas sus radios por
sonidos a los que no estaban acostumbrados. Estos oyentes de veintipico
a cuarenta años, que en su adolescencia -década de
los 70- habían escuchado el pop de James Taylor, Carly Simon,
Eagles o Bee Gees, no sentian en la oferta de Metallica o Marilyn
Manson, los sonidos que querían escuchar. La propuesta más
cercana era la música Country-pop, en ese entonces cabeza
a cabeza con el Neo-Tradicionalismo.
En los años 90, siguieron surgiendo nuevo-tradicionalistas,
pero el espectro country se abrió para recibir a otros intérpretes,
que quizás décadas antes, nunca hubieran sido considerados
country, como Mary Chapin Carpenter o Lyle Lovett. Esta apertura
fue también una necesidad de mercado: esos oyentes que buscaron
nuevos sonidos, querían obviamente consumir esos sonidos.
Los sellos discográficos salieron con sus "caza talentos"
a recorrer tabernas, clubes, discotecas, coffee-houses con el propósito
de reclutar a todo aquel artista que ofreciera calidad y que anduviera
sin contrato. Esto significó la aparición de muchísimos
talentos de muy diversa estirpe musical: en esta época -recordemos,
1989/1990- aparecen artistas como Clint Black, Alan Jackson, Doug
Stone, Mark Chesnutt, Patty Loveless, Sammy Kershaw, Hal Ketchum,
Lorrie Morgan, The Kentucky Headhunters, Pam Tillis, Travis Tritt,
Marty Stuart, Suzy Boggus, Nancy Griffith, Vince Gill, Carlene Carter,
Holly Dunn y, sin duda alguna, el más exitoso de todos, Garth
Brooks.
Bien vale aclarar que muchos de los nombrados ya habían colocado
canciones en las listas country en años anteriores, pero
fue en estos dos años en que su lanzamiento los llevó
al estrellato.
El fenómeno Garth Brooks
Nacido en Tulsa, Oklahoma, el 7 de febrero de 1962, creció
rodeado de música country: su madre era Colleen Carroll Brooks,
una cantante para el sello Capitol en la década de los años
50. Durante su adolescencia, luego de un primer viaje a Nashville
de donde regresó frustrado, formó una banda local
llamada Santa Fe, interpretando una mezcla de oldies pop y country,
demostrando su amor por James Taylor, Dan Fogelberg, los grupos
Boston y Kansas y el tejano George Strait. En 1987, nuevamente en
Nashville, comenzó a componer para el sello Capitol, lo que
lo llevó a eventualmente grabar sus primeros temas bajo la
producción de Allen Reynolds. De allí en más,
todos sus canciones se convirtieron en éxitos gigantescos
y su personalidad dinámina y dicharachera hicieron que todos
gustaran de Brooks. En 1991, su cd "Ropin' The Wind" debutó
en el Nº 1 de las listas pop, algo que jamás había
logrado un artista country, mientras que su concierto el 7 de agosto
de 1997 en Central Park convocó a 800.000 personas. Su fuerte
personalidad hizo además que pudiera controlar todo con respecto
a su carrera hasta el momento de retirarse del mundo de la música.
Si algún día regresa, o causará conmoción
y volverá a vender millones, o habrá pasado su cuarto
de hora y no llegará a lograr lo que logró en los
años 90.
Cuestión de imagen
No debemos dejar de lados los medios, que así como la
radio fue fundamental en las décadas de los años 20,
30 y 40, se volvieron esenciales en los 90 . El surgimiento de TNN
(The Nashville Network) y CMT (Country Music Television) en 1983,
significó que la Música Country estuviera constantemente
presente en la televisión. Centenares de radios que habían
programado pop en épocas pasadas, se cambiaron al formato
country, sumando casi dos mil quinientas en todo Estados Unidos,
programando esta música 24 horas al día, sin contar
las miles que incluían shows country en su programación.
Decenas de publicaciones relacionadas al género salieron
al mercado, desde las "serias" con análisis y artículos
musicales, hasta las "light", contando las vicisitudes
amorosas y mostrando las residencias de los famosos.
Pero el aspecto "visual" y "light" del espectáculo
country, hizo que aquellos artistas que físicamente no estaban
en sus mejores formas, no fueran considerados para el público
masivo y fue así que muchos y muy buenos artistas fueron
dejados de lado, sólo por su aspecto. Luego de que los sellos
se hubieran asegurado el mercado de los 25 a 50 años, se
lanzaron a conquistar a los adolescentes, y así surgieron
artistas de gran sex-appeal que atrajeron a ese grupo de edad. Entre
ellos se encontraban LeAnn Rimes, Bryan White, Faith Hill y Shania
Twain, por ejemplo. Esto trajo aparejado que aquellos veteranos
que por un lado eran tan venerados, por otro vieran sus contratos
sin renovar y debieran conformarse con que las radios pasaran sus
temas como "oldies."
Lo que pasó a ser un negocio, significó para muchos
artistas que si un sello les producía un album, este debía
vender un mínimo de 50.000 copias o jamás llegarían
a ver un segundo cd.
Poco a poco, a principio de los 90, el Neo-Tradicionalismo comenzó
a perder la fuerza y a mediados de esa década, el llamado
New Country, con toda una gran serie de nuevas estrellas, comenzó
a avanzar a pasos agigantados. El New Country incluía más
elementos de rock que pop, pero al igual que el Nashville Sound
o el Country-pop en su momento, de alguna manera también
significaba cierta pérdida de las raíces más
puras del country. Muchos acusaron al New Country de empezar a sonar
como la música pop de los 80. Muchos artistas se sintieron
incómodos con todo este cambio, principalmente radial. Cantantes
que desde la década de los 80 buscaban hacer una música
más creativa, como Steve Earle, Emmylou Harris Rosanne Cash
o Lyle Lovett, comenzaron a apartarse de este New Country fabricado
en Nashville.
11 - New Country vs. Y'Allternative
Un nuevo movimiento comenzó a gestarse, inspirado en los
Outlaws/Rebeldes de los años 70 y en el Neo-Tradicionalismo
de mediados de los 80 y comenzó a recibir otro nombre: Alternative
Country. Con este rótulo, también llamado Alt.Country,
Y'Allternative o Americana Music, se pasó a definir a todos
aquellos artistas que no eran pop ni tampoco eran rock, pero que
incluían en su haber amplias dosis de música country,
folk, blues y rock, sumada a esta mezcla, influencias de subgéneros
country como Rockabilly, Cajun, etc.
Paralelamente al surgimiento del movimiento alternativo, el New
Country seguía produciendo más música con claras
influencias rock y pop, con canciones rápidamente olvidables
donde todo era simple, sencillo y hermoso y con mucho gancho musical.
Llegó el momento en que Música Country se volvió
sinónimo de New Country, pero muchos artistas que se consideraban
así mismos artistas country, no se identificaban con el rótulo
New Country y no querían ser llamados así. Muchos
de ellos comenzaron a refugiarse en el sector alternativo: entre
los que se contaban a los otrora Neo-tradicionalistas Dwight Yoakam,
Marty Stuart y a Butch Hancock, Gillian Welch, Alison Krauss, Junior
Brown, el grupo BR5-49, Kim Lenz, Roger Wallace, Patty Booker, Marti
Bröm y una larguísima lista de talentos. Su música
no buscaba el "gancho" fácil, sino que además
de un sonido country más auténtico, las letras cobraban
un aspecto primordial y retomaban los temas típicos del country:
la soledad, el amor y sus desengaños y la injusticia social.
En 1995, la publicación de la revista No Depression significó
un espaldarazo importantísimo para el movimiento alternativo.
No Depression tomaba su título de una vieja canción
de la Familia Carter y un album del grupo Uncle Tupelo. Con el respaldo
de esta publicación, comenzaron a surgir miríadas
de sellos independientes, que permitían a los artistas la
libertad para crear la música que querían y cómo
la querían. Por su parte, No Depression incluía en
sus páginas desde artículos sobre Bluegrass y entrevistas
a artistas como Ricky Skaggas, hasta los sonidos cantineros texanos
de Dale Watson, con entrevistas a artistas seminales en la Música
Country, como George Jones o Hank Thompson.
En 1995, el reporte Gavin instituyó las listas de música
Americana Music, que incluía a artistas que no estaban en
el formato New Country. También comenzaron a surgir centenares
de estaciones radiales que enfocaban su atención hacia este
tipo de música y que permitieron que artistas veteranos que
habían sido dejados de lado por las estaciones radiales de
New Country, encontraran un nuevo reducto donde hacer escuchar su
nueva música. A los 66 años, en 1997, Johnny Cash
con su album "Unchained" del sello American Recordings,
ganó un Grammy por Mejor Album Country, sin que las radios
New Country se hubieran preocupado de difundirlo. Esto dio origen
a la famosa foto que Cash y American Recordings publicaran en la
revista Billboard, junto a un enorme THANK YOU (Gracias), burlándose
de la industria disquera de Nashville. La foto había sido
tomada originalmente en un concierto en la prisión de San
Quintín en 1969.
Hoy en día, el New Country sigue vivito y coleando y creando
más artistas que nunca. Paralelamente, el Country Alternativo
se ha convertido en un importantísimo reducto para aquellos
que buscan algo más con su música. La conclusión
es que hay de todo, para todos los gustos. Shania Twain tiene un
éxito descomunal, no sólo en el terrerno country sino
también en el pop, como lo supo tener, por ejemplo, Kenny
Rogers en las décadas de los 70 y 80. Pero también
los alternativos cuentan con gigantescos mercados y además,
un gran público en el exterior, sobre todo en Europa, donde
muchas veces son más apreciados que en su propia tierra natal.
Y todos venden discos masivamente, llegando con gran rapidez a los
preciados Discos de Oro.
La historia pendular seguramente seguirá. Se ha dicho que
el deseo de volver a lo tradicional llega cada 25 años en
el mercado comprador, así que auguramos un mayor crecimiento
del Country Alternativo, un declive del New Country, pero seguramente
en un tiempo, esto se revertirá, quizás con nuevos
rótulos que, al fin y al cabo, seguirán identificando
la rivalidad entre lo más pop y lo más tradicional.
Bibliografía:
The Country Music Book, por Michael Mason, Robert K. Oerrman, Rich
Kienzle, John Lomax III, Bob Millard, publicado por Charles Scribner's
Sons, 1985.
The Harmony Illustrated Encyclopedia of Country Music, por Alan
Cackett y Douglas B. Green, publicado por Salamander Books, 1986,
1994.
Modern Twang: An Alternative Country Music Guide & Directory,
por David Goodman, publicado por Dowling Press Inc., 1999.
Joel Whitburn's Top Country Singles, publicado por Record Research,
1998.
The History of Country & Western Music, por Tony Byworth, publicado
por Bison Books, 1984.
http://www.roughstock.com/history/
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